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Reseña de la película Ghostbusters Afterlife: A Less Fun Stranger Things, a través de Star Wars: The Force Awakens

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Ghostbusters: Afterlife, que se estrena el viernes en los cines, es una película arraigada en el pasado y creada a imagen de sus contemporáneos. Hay un gran espectro de Stranger Things que se cierne sobre Ghostbusters: Afterlife. Después de todo, la serie de Netflix es el estándar de oro de la cultura pop actual para los niños que luchan contra criaturas sobrenaturales malvadas. Ghostbusters: Afterlife no solo abandona la fórmula de formación de equipos de adultos que la serie de películas Ghostbusters ha utilizado hasta ahora, sino que el director Jason Reitman (Up in the Air) incluso ha elegido a un actor de Stranger Things en Finn Wolfhard para sus Cazafantasmas dirigidos por niños. Al igual que la serie de Netflix, la nueva película de Los Cazafantasmas tiene lugar en un pequeño pueblo ficticio de Estados Unidos. Summerville, Oklahoma, se hace cargo de Hawkins, Indiana. La historia se desarrolla en la actualidad, pero Reitman usa un truco para quitar toda la tecnología moderna.

Reitman, quien también es escritor junto a Gil Kenan (Monster House), parece haber diseñado Ghostbusters: Afterlife después de ver Stranger Things en todos los sentidos. Ese es un gran tributo dado en un momento de la temporada 2 de Stranger Things, que se estableció en 1984, el año en que se estrenó la primera película de los Cazafantasmas en los cines: los hermanos Duffer hicieron que el equipo de Hawkins se vistiera con trajes de Cazafantasmas. Pero Stranger Things no es la única propiedad importante de ciencia ficción en la que se inspira Ghostbusters: Afterlife.

Si está tratando de hacer una secuela de reinicio suave segura y calculada de un original de Hollywood muy querido más de 30 años después, el plan obvio es Star Wars: The Force Awakens. Al igual que hizo JJ Abrams en una galaxia muy, muy lejana, Reitman toca muchos de los ritmos de la película original, excepto con nuevos personajes en nuevos escenarios. Al igual que Abrams, Reitman dispersa el equipo de Cazafantasmas con el que el público tiene un apego nostálgico en Cazafantasmas: Más allá. El coche Ectomobile es el Halcón Milenario, los paquetes de protones, los sables de luz de este mundo. La pandilla original también está de vuelta, aunque a diferencia de Star Wars, aquí no son leyendas, sino que están en gran parte olvidados. Un villano principal regresa, interpretado por una nueva actriz, en una capacidad inútil, similar a Star Wars: The Rise of Skywalker.

Ghostbusters: Afterlife no es tan esclavo de su película original como lo fue The Force Awakens, pero tampoco es tan agradable. Por si sirve de algo, Reitman intenta forjar una nueva voz para la serie Cazafantasmas, abandonando la ciudad de Nueva York y el ingenio seco al estilo de Bill Murray por una aventura familiar como la que solía hacer Steven Spielberg (que Abrams imitó muy bien con su Super 8). Engaña al Ecto-1 con un asiento de artillero abatible y una escotilla en el piso que libera una trampa para fantasmas a control remoto. Es genial, aunque me pareció divertido cómo la trampa RC se mantuvo a la par de la velocidad del Ecto-1.

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Pero Reitman usa estos elementos para hacer lo que hicieron los Cazafantasmas originales; hay una secuencia de acción de Slimer, aunque ahora es azul y se llama Muncher (con la voz de Josh Gad, Olaf de Frozen). Y en lugar de un hombre gigante de malvavisco Stay Puft aterrorizando a los residentes de Nueva York, tenemos un montón de pequeños en un Walmart vacío que se divierten derritiéndose, asando, mezclando, ensartando y haciendo sándwiches entre sí. De manera preocupante, Ghostbusters: Afterlife duplica la nostalgia hacia el final, lo que deshace el buen trabajo que Reitman señala en la mayor parte de su película.

Ambientada más de tres décadas después de los eventos de la primera película, Ghostbusters: Afterlife sigue a una familia de tres: la madre soltera Callie Spengler (Carrie Coon, de The Leftovers) y sus dos hijos, Trevor (Finn Wolfhard) y Phoebe (Mckenna Grace, de The Leftovers). Dotado). Sí, son la hija, el nieto y la nieta del difunto Egon Spengler (Harold Ramis), quien muere en la pantalla tras la muerte del actor en 2014. Pero Egon no es recordado con cariño por nadie: Callie lo odia porque dejó a su familia de Nueva York. y se mudó a Summerville para nunca más ser visto, y todos en Summerville solo lo conocían como el “Granjero de tierra” porque el tipo labró su tierra pero nunca cultivó nada. Pero después de que Egon fallece, los Spengler llegan a Summerville con la esperanza de vender la casa.

Seguir a la familia de uno de los Cazafantasmas originales es una forma obvia de apegarse a la película original. Los fanáticos de Ghostbusters también sabrían que eso está sucediendo detrás de escena: Jason es, de hecho, el hijo del director de Ghostbusters, Ivan Reitman, quien es el productor de Ghostbusters: Afterlife. Está lejos de ser un caso de nepotismo; Up in the Air, protagonizada por George Clooney y Vera Farmiga, es una película galardonada, al igual que Juno con Elliot Page y Michael Cera. Y, a decir verdad, Jason es mejor en el desarrollo del personaje que su padre en los Cazafantasmas originales.

Phoebe es un gran personaje. Es inteligente, curiosa e imperturbable: una científica nata a diferencia de su madre que no tiene interés en la ciencia, posiblemente porque le robó a su padre. Pero Phoebe también lucha por hacer amigos. Probablemente no ayude que sus chistes (nerds) no sean para todos. No procesa las emociones como los demás, admite (¿Phoebe es autista? Ghostbusters: Afterlife no lo dice directamente, lo cual prefiero). Y tampoco responde a los estímulos, como dice, una sobreexposición a algo entusiasta o aterrador la calma. Eso la convierte en un personaje intrépido y excepcionalmente seguro de sí mismo, que siempre está ansioso por explorar. Puede que se la clasifique en tercer lugar debido al vataje de Coon y Wolfhard, pero Grace es la verdadera protagonista aquí: su Phoebe es el corazón y el alma de la película.

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Paul Rudd como Gary Grooberson, Carrie Coon como Callie Spengler en Ghostbusters: Afterlife
Crédito de la foto: Kimberley French/Sony Pictures

Después de que los Spengler llegan a Summerville, Ghostbusters: Afterlife los lleva a sus nuevas vidas. Phoebe comienza a regañadientes en la escuela “pública” de verano donde el sismólogo Gary Grooberson (Paul Rudd, de Hombre Hormiga) reproduce películas para los niños en lugar de enseñarles. Allí, hace un nuevo amigo en Podcast (el recién llegado Logan Kim) que se hace llamar así porque tiene, lo adivinaste, un podcast. Mientras tanto, en un intento por cortejar a una chica, Trevor comienza a trabajar en un restaurante solo para darse cuenta del trabajo agotador que implica. Pronto descubren que Summerville no es solo un lugar triste, sino también curioso. Los terremotos ocurren casi a diario, a pesar de que Summerville no está cerca de ninguna línea de falla. Phoebe y Podcast comienzan a investigar con la ayuda de Grooberson.

Hay algunas escenas conmovedoras que involucran a los niños, especialmente cuando intentan descubrir la vieja tecnología de los Cazafantasmas. Pero Reitman no puede hacer que se enfrenten entre sí de una manera que crearía un impulso para Ghostbusters: Afterlife. Podcast es una alegría desde el principio, pero se convierte en un dispositivo narrativo para la nueva película de Cazafantasmas, similar a Karun de Harish Patel en la película de Marvel. eternos — ya que Podcast ofrece comentarios en vivo sobre sus aventuras. Está rompiendo una especie de cuarta pared, creando una película a partir de sus vidas. Wolfhard está perdido, ya que parece existir para poder ser el nuevo conductor de Ecto-1 para la pandilla más tarde. También hay un poco de lógica en la forma en que los niños pasan de no saber nada sobre los Cazafantasmas a controlar todos los asuntos bastante pronto: apuesto a que hay una versión de Cazafantasmas: Más allá que conecta los puntos de manera más orgánica.

De manera molesta, los Cazafantasmas: los personajes adultos de Afterlife reciben aún más atención. Los problemas con el padre de Callie pueden relacionarse instantáneamente, pero eso es solo porque Coon es una excelente actriz. Lamentablemente, no tiene mucho tiempo, es un papel un poco desagradecido para alguien que puede aportar tanto a cualquier actuación. Eso también es cierto para Rudd, quien siempre es bueno en cosas cómicas pero está trabajando con poco aquí. Ghostbusters: Afterlife no solo desperdicia a Coon y Rudd, sino que también tiene papeles terriblemente inútiles para JK Simmons y Olivia Wilde: será un spoiler decir a quién están interpretando.

Y ni siquiera hemos hablado de los nostálgicos retornos en efectivo de la vieja pandilla, incluidos Bill Murray, Dan Aykroyd y Ernie Hudson. Aunque todo el mundo lo sabe, Sony ha estado haciendo todo lo posible para ocultarlos por todas partes en el marketing. Lamentablemente, tienen poco que hacer en la película. De hecho, el viejo equipo de Cazafantasmas probablemente tenga más líneas y tiempo en las dos escenas posteriores a los créditos, una de las cuales hace todo lo posible para provocar un futuro para la franquicia de Cazafantasmas en apuros.

El último tráiler de Ghostbusters: Afterlife está lleno de spoilers

Finn Wolfhard como Trevor, Mckenna Grace como Phoebe, Logan Kim como Podcast en Ghostbusters: Afterlife
Crédito de la foto: Kimberley French/Sony Pictures

Es alrededor de su llegada que Ghostbusters: Afterlife se pierde. Reitman no solo se pone duro con la nostalgia, sino que el director también opta por un final inorgánico, sentimental y empalagoso. No tiene mucho sentido cómo o por qué encuentran el camino a Summerville. El clímax ofrece poco, recreando tomas y diálogos de la película original de Cazafantasmas y el comienzo de Cazafantasmas: Más allá. Y trata de sacar las lágrimas de los fanáticos de la mejor manera: es inmerecido y está equivocado en un deseo de poner una reverencia ordenada en todo el asunto. Lo que lo hace más molesto es que Reitman pasa gran parte de la película tratando de crear un nuevo lenguaje para los Cazafantasmas, solo para abandonar todo eso en el tercer acto por un enfoque seguro que grita: “Esta versión probó mejor con la mayoría de las audiencias”.

Reitman tampoco actualiza Ghostbusters para hoy. Cazafantasmas es una de las muchas propiedades sobrenaturales o de fantasía de Hollywood que recurrieron a las culturas orientales (aquí está la antigua civilización mesopotámica, Sumer) para crear sus mitologías “exóticas”. No había suficiente gente que se preocupara por esto en los años 80, pero esto está al borde de lo imperdonable en 2021. El villano principal Gozer, llamado así por una diosa sumeria, es interpretado por una mujer blanca en Cazafantasmas: Más allá. Y el único objetivo de Gozer es traer el apocalipsis: no hay un punto más importante para todo esto. Es una apropiación cultural completa, con el único propósito de darle vida a una franquicia cinematográfica de Hollywood. Se siente asqueroso.

Para una serie que ha producido una buena película (el original está anticuado de alguna manera) y un montón de secuelas/derivaciones que es mejor olvidar, Cazafantasmas tiene un gran impacto en la cultura pop. Ghostbusters: Afterlife ni siquiera es el primer intento de revivir Ghostbusters: tuvimos el reinicio exclusivamente femenino en 2016 que fracasó espectacularmente, que Reitman elige ignorar por completo como si nunca hubiera sucedido. No hay referencia a nada de eso. Y esa es realmente la razón por la que existe: para limpiar la pizarra y dejar espacio para más secuelas. Cazafantasmas: Más Allá es un claro intento de revivir la franquicia para un público más joven, encajando así en el público objetivo de Hollywood y toda su filosofía de éxito de taquilla de cuatro cuadrantes. Se trata de dar a Sony Pictures una nueva fuente de ingresos.

Ojalá Sony fuera tan oportunista como otros estudios de Hollywood. Al ver Ghostbusters: Afterlife, no pude evitar sentir que tal vez Reitman debería haber abrazado por completo sus inspiraciones duales: Stranger Things y Star Wars. Estoy hablando de convertir a los Cazafantasmas en una serie de televisión. Stranger Things es bueno porque tiene tiempo para desarrollar sus personajes, Ghostbusters: Afterlife podría haber usado eso. Star Wars ha tenido mucho éxito en el giro hacia la televisión (con The Mandalorian) mientras que sus películas han fracasado. Pero dado que Sony no tiene su propio servicio de transmisión en los EE. UU., me imagino que ese pensamiento nunca pasó por su mente.

Ghostbusters: Afterlife sale el viernes 19 de noviembre en India y en otros lugares.

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Reseña de Spider-Man No Way Home: un viaje cíclico a través del tiempo y el comercialismo

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Spider-Man: No Way Home, que se estrena el jueves en los cines, es, en la superficie, la película de Spider-Man de acción en vivo más ambiciosa que Sony Pictures ha producido. Como ya han revelado los avances de No Way Home, la nueva película de Spider-Man reúne tres eras de Spider-Man, con villanos de Tobey Maguire y las carreras de Andrew Garfield como Peter Parker saltando al multiverso de Marvel. Obtenemos al Dr. Norman Osborn/ Duende Verde (Willem Dafoe) de Hombre arañaDr. Otto Octavius/ Doctor Octopus (Alfred Molina) de Spider-Man 2, Flint Marko/ Sandman (Thomas Haden Church) de Spider-Man 3, Curt Connors/ Lizard (Rhys Ifans) de The Amazing Spider-Man y Max Dillon/Electro (Jamie Foxx) de The Amazing Spider-Man 2. Todo está sucediendo, en una película de Spider-Man.

Esto le permite a Spider-Man: No Way Home, del director que regresa Jon Watts, hacer un viaje nostálgico por el camino de la memoria, aunque no iría tan lejos como para decir que está parado sobre los hombros de gigantes. Para ser justos, muchos de los villanos que trae No Way Home provienen de películas terribles (The Amazing Spider-Man 2) y olvidables (Spider-Man 3, The Amazing Spider-Man). Dicho esto, Spider-Man: No Way Home hace todo lo posible para proyectarlos bajo una nueva luz y redimirlos lo mejor que pueda. A Dafoe y Molina, naturalmente, les va mejor, siendo este último parte de lo que sigue siendo una de las mejores películas de superhéroes de todos los tiempos. Pero aunque pueda parecer que el universo se está expandiendo, tenemos un multiverso adecuado, en realidad, el universo de Spider-Man se está derrumbando sobre sí mismo en No Way Home. No hay nuevos personajes introducidos en esta ronda.

Dicho esto, Spider-Man: No Way Home intenta profundizar en el mito de Peter Parker. Como uno de los superhéroes más jóvenes que existen (el Spider-Man de Tom Holland, todavía en el último año de la escuela secundaria, es la versión de acción en vivo más joven), Parker aún conserva la opinión de que hay algo bueno en todos. Es completamente optimista, aunque miope e ingenuo. En el fondo, la nueva película de Spider-Man, escrita por el dúo que regresa Chris McKenna y Erik Sommers, trata sobre Peter lidiando verdaderamente con lo que se necesita para ser moralmente bueno. Como cuánto puedes soportar antes de romper y dejar caer lo que representas. Si vas a vivir según tus principios, debes hacer algunos sacrificios para salvar a otros. La tía de Parker, May (Marisa Tomei), cree que ayudar a una persona es como ayudar a todos, pero ¿a qué costo personal?

Todo lo que necesitas saber sobre Spider-Man: No Way Home

Spider-Man: No Way Home envía al Peter Parker de Holanda a algunos lugares oscuros, aunque nunca está demasiado lejos de otra migaja de nostalgia que no puede colgar en tu cara poco después. Es como si se mezclaran trozos de patetismo con cucharadas de “Oh, mira, buenos (y no tan buenos) recuerdos de otras películas de Spider-Man”. Después de todo, está la cuestión más importante de cómo esto, el regreso de los actores de las viejas películas de Spider-Man, se parece mucho a una empresa comercial cínica. Spider-Man: No Way Home termina de una manera un poco tranquilizadora que parece que Sony Pictures podría estar feliz de ponerle un límite a las cosas, pero siempre hemos sabido que nada es sagrado o permanente para Hollywood. Desenterrarán y exhumarán a quien quieran, incluso si deben hacerlo a través de medios digitales tontos.

Retomando justo donde lo dejamos en Spider-Man: Far From Home, encontramos la vida normal de Parker dando un vuelco frente a sus ojos. Las cámaras y la atención lo siguen a todas partes: ahora es la persona más famosa del mundo, se nos dice repetidamente, y algunos incluso van por él, creyendo que realmente mató a Quentin Beck / Mysterio (Jake Gyllenhaal), el holograma de Lejos de casa. villano especialista que se presentó como un héroe moribundo ante el mundo manipulando imágenes. Sin embargo, lo más importante para Parker es que está afectando la vida de quienes lo rodean: su novia MJ (Zendaya) y su mejor amigo Ned Leeds (Jacob Batalon) son rechazados en las universidades, y él y su tía tienen que mudarse de casa para mantenerse a salvo. Habiendo tenido suficiente, a Parker se le ocurre la peor idea posible.

Como ya habrás visto en los tráilers de Spider-Man: No Way Home, Parker le pide al Dr. Stephen Strange/Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) que lance un hechizo que haga que la gente olvide que Peter Parker es Spider-Man. Dejando a un lado la estupidez en torno a Peter pidiendo un favor tan loco, hay tantos superhéroes que tienen que vivir con la carga de que su identidad esté abierta, lo que lo hace más loco es la forma casual en que el Doctor Strange accede a su solicitud. Extrañas olas de advertencias de Wong (Benedict Wong) al decir que han usado tales hechizos para cosas mucho más pequeñas en el pasado. Bien entonces. Pero invariablemente, las cosas empeoran después de que Parker se da cuenta de que no ha transmitido correctamente su solicitud: el hechizo que Strange está lanzando hará que todo el mundo olvida que Peter Parker es Spider-Man. Ya sabes, incluidos MJ, Ned y May.

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Tom Holland como Peter Parker, Benedict Cumberbatch como Doctor Strange en Spider-Man: No Way Home
Crédito de la foto: Matt Kennedy/Sony Pictures

Esto sería hilarante si no estuviéramos tratando con personajes que ejercen una magia tan poderosa que rompe la realidad en el poder de sus manos, o son amigos de personajes que ejercen una magia que rompe la realidad. Pero la planificación en Spider-Man: No Way Home es generalmente estúpida en su mayor parte. Parker regularmente toma decisiones dudosas sobre elecciones dudosas que permiten que se impulse la trama de No Way Home. Que confíe en los villanos que intentan matarlo y que se han opuesto a otros como él en sus propios universos, dice mucho de la facilidad con la que confía. Spider-Man: No Way Home solo funciona si aceptas el viaje en el que te embarcan, porque su lógica interna se desmorona con demasiada facilidad. Parte de eso se juega para reír, pero alguien necesita darle algo de sentido a los héroes eventualmente.

Spider-Man: No Way Home tampoco justifica realmente que Peter necesite seguir el camino que elige para sí mismo. Simplemente se lanza a situaciones sin precaución. Si Parker realmente está siendo visto como el villano por el mundo debido a cómo se está girando la revelación de Mysterio, estoy seguro de que hay mucho en el mundo para contrarrestar esa narrativa. ¿Por qué ninguno de los Vengadores (o lo que queda de ellos) da un paso al frente para defender a Parker? Aunque en cierto nivel, el hecho de que la información errónea pueda llegar a ser tan omnipresente (el rostro de la misma, J. Jonah Jameson (JK Simons), sigue el modelo de un loco de la conspiración de extrema derecha como Alex Jones) dice algo sobre nuestro propio mundo.

Y no está claro si Spider-Man: No Way Home gana lo suficiente al fusionar las tres eras de Spider-Man. Sabe que a veces le está pidiendo mucho a su audiencia, razón por la cual los villanos hablan deliberadamente en voz alta sobre su pasado como si se estuvieran presentando en caso de que el espectador no los conozca. Marvel Studios y Sony Pictures quieren que todos los sigan, claramente. El primero esperaba que los fanáticos vieran todas sus películas (y ahora también programas de televisión), pero con esto, ¿también deben haber visto otras cinco películas de Spider-Man para disfrutarlas adecuadamente? También hay otros personajes en Spider-Man: No Way Home, para los que necesitas más conocimientos fuera del Universo Cinematográfico de Marvel. Puede tomarlos al pie de la letra, ya que se presentan solo para usarse más adelante en otros títulos de Marvel.

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Willem Dafoe como Duende Verde en Spider-Man: No Way Home
Crédito de la foto: Sony Pictures

Y a pesar de ser la tercera película más larga de MCU con un tiempo de ejecución de 148 minutos, Spider-Man: No Way Home realmente no tiene tiempo para construir sobre los villanos. Claro, se burlan mucho de cómo este universo está sobrealimentado en comparación con los demás: hay todo tipo de magia aquí, y tenemos a los Vengadores (“¿Son una banda?”, bromea un personaje querido) – y bromas dirigidas a los nombres y las historias de origen de los villanos (¿Otto Octavius? LOL. ¿Te caíste en una tina de anguilas? Hah. ¿Te caíste en un supercolisionador? Maldita sea.) Pero la superposición real de personajes es muy poca, de hecho.

Además, con tantos personajes que necesitan tiempo de pantalla, Holland una vez más juega un papel secundario y secundario en sus propias películas. También perdemos gran parte del mundo creado alrededor del Spider-Man de Holland en las dos últimas películas. El hecho de que Parker esté en el último año de la escuela no importa en absoluto. Excepto por MJ y Ned, cuya presencia también parece cuestionable de vez en cuando, hay exactamente una escena para el resto del lote: sus otros compañeros de clase y sus maestros. El novio de May, Happy Hogan (Jon Favreau), consigue un par de escenas, y May un poco más que eso.

La gran pregunta de si Spider-Man: No Way Home se sostiene sobre sus propios pies es bastante imposible de responder dado lo profundamente que está entretejido en la trama de otras cinco películas de Spider-Man. Pero lo más importante es que es irrelevante. No Way Home es una prueba de que, con la ayuda de Marvel Studios, Sony Pictures ahora puede soñar en grande. Nunca le faltó el apetito, pero siempre le faltaron las habilidades creativas para hacerlo. Ahora, con la guía del maestro del universo cinematográfico compartido, Marvel hizo una falsificación con estas travesuras del multiverso en Lejos de casa, antes de presentarlas en Loki – finalmente entregó una película de Spider-Man que es a la vez una perspectiva deliciosa para los analistas financieros y una delicia para los fanáticos de Spider-Man de todas las edades.

Hay alegría en ver lo viejo remezclado con lo nuevo. Pero también es uno de rendimientos decrecientes. En lugar de contar historias completamente nuevas, los ejecutivos de cine de hoy son tan grandes en IP que ahora están buscando en su propio pasado. El flash, que se lanzará en noviembre de 2022, está a punto de hacer algo similar para el Universo Extendido de DC, con el Batman de Michael Keaton llegando desde los años 90 y la versión de Ben Affleck del propio DCEU. Incluso podría atraer a Batman de Robert Pattinson de The Batman, en marzo de 2022. ¿Quién puede decirlo realmente? Lo que muestra Spider-Man: No Way Home es que Hollywood puede y no dejará que nada descanse para siempre.

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Tom Holland como Peter Parker, Jacob Batalon como Ned Leeds, Zendaya como MJ en Spider-Man: No Way Home
Crédito de la foto: Matt Kennedy/Sony Pictures

Al reunir todas sus películas anteriores de Spider-Man en un todo, Sony Pictures les está dando nueva vida nuevamente. (Es por eso que estamos viendo nuevos lanzamientos de Blu-ray 4K de películas antiguas, junto con docenas de juguetes nuevos y oportunidades de comercialización insondables). , y el verdadero efecto que su vida tiene en quienes lo rodean: Sony y Marvel han establecido su franquicia de Spider-Man de tal manera que, al final de esta película, el amigable superhéroe del vecindario podría literalmente ir a cualquier parte. Porque para Parker, un gran poder puede conllevar una gran responsabilidad, pero para Hollywood, un gran poder simplemente conlleva más codicia.

Spider-Man: No Way Home se estrena el jueves 16 de diciembre en India en inglés, hindi, tamil y telugu.

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Reseña de la película Looop Lapeta: Just Watch Run Lola Run

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Looop Lapeta, la nueva película de Netflix con Taapsee Pannu y Tahir Raj Bhasin, es una prueba de que Bollywood no puede hacer una película de serie B de alto concepto. En lugar de saltar directamente al meollo de las cosas (y permanecer en su carril), la nueva versión en hindi del thriller alemán de 1998 Run Lola Run del escritor y director Tom Tykwer, ganador del Festival de Cine de Sundance, incluye todo tipo de trama, trama secundaria e historia de fondo. en ello. Incluso hay una secuencia de canciones que ralentiza aún más a Looop Lapeta. Mientras que Run Lola Run fue de 89 minutos apretados, ni un solo minuto más de lo necesario, Loopop Lapeta corre durante 130 minutos.

Esos 40 minutos adicionales están llenos de distracción tras distracción (que involucran a una variedad de personajes secundarios), desvaneciéndose en el impulso de lo que se supone que es un thriller. E inevitablemente, Looop Lapeta pierde la tensión cada vez que se distrae. Esa es la clave para cualquier película de suspenso, más aún una que literalmente gira en torno a un corto período de tiempo. (El protagonista aquí tiene 50 minutos para obtener Rs. 50 lakh).

Tywker entendió la importancia de todo eso en Run Lola Run, con la película alemana impulsada por su pura energía cinética. (La velocidad fue uno de los títulos que consideraron, ha señalado Tywker). obviamente es un fanático de esa película, dado que, para empezar, la está rehaciendo. (Incluso hay un huevo de Pascua en tu cara, con la espalda de una Lola pelirroja que se muestra entrando a un casino). Pero Bhatia realmente no entiende qué hizo que Run Lola Run fuera un éxito de culto y por qué funcionó tan bien. .

Tal vez este enfoque equivocado sea el resultado de la inexperiencia, demasiados cocineros en la cocina, o ambos. Hay cuatro escritores acreditados en Looop Lapeta: Dr. Vinay Chhawal, Ketan Pedgaonkar, Arnav Vepa Nanduri y el director Bhatia. Tres de ellos nunca han escrito una película en sus vidas, excepto Chhawal, cuyo único crédito incluye la comedia dramática mal recibida Angrezi Medium. Por lo que vale, Looop Lapeta mejora a medida que avanza, con el tercer ciclo, aquellos que han visto el original sabrán a qué me refiero, siendo el más elaborado e interesante del lote. Pero durante gran parte de su tiempo de ejecución, carece del enfoque necesario y la fuerza propulsora que necesita este tipo de película.

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O tal vez este enfoque equivocado sea el resultado de las demandas de los productores. Looop Lapeta es el segundo remake indio de un thriller internacional de alto concepto en Netflix en los últimos meses. El anterior fue el Dhamaka dirigido por Kartik Aaryan, donde el escritor y director Ram Madhvani cayó en una trampa similar al principio (antes de encontrarse con otros problemas). Excepto que sus distracciones eran más cortas, aunque más empalagosas. Tal vez sea más un problema de la industria entonces. ¿Por qué las películas B en India no pueden ser simplemente películas B? ¿Por qué las películas no pueden ser tan ajustadas como deben ser? En general, se acepta que Bollywood tiene la costumbre de estirar las películas, y Looop Lapeta se siente como la última víctima de esa filosofía atroz.

La premisa aquí es la misma: después de que Satyajeet (Tahir Raj Bhasin, de Yeh Kaali Kaali Ankhein) pierde el dinero de un mafioso, su novia Savina Borkar (Taapsee Pannu) viene a rescatarlo. Ella necesita obtener Rs. 50 lakh en 50 minutos, de lo contrario Satya se enfrenta a una muerte brutal. Pero Loopop Lapeta ajusta cómo llegamos a eso. Para empezar, es su cumpleaños y acaba de enterarse de que está embarazada. Pero a diferencia de Lola en Run Lola Run, donde no pudo recoger a su novio como se suponía que debía hacerlo, Savi no tiene nada que ver con la aventura de Satya. Ese es un movimiento curioso. A pesar de que su novio tuvo la culpa en gran medida, Lola se sintió mal por su parte, o por la falta de ella. Savi no tiene motivos para sentirse culpable, por lo que su decisión de ayudar a Satya proviene puramente de un lugar de amor.

Y ahí es donde entra en juego la historia de fondo de Looop Lapeta. En Run Lola Run, Lola estaba rescatando a su novio tonto e ingrato (de quien, por lo demás, sabíamos muy poco). Aquí, Savi le está pagando de alguna manera. Con la ayuda de una voz en off de Pannu y una secuencia animada de títulos de apertura, Looop Lapeta nos lleva a través de la historia de Savi: una exitosa atleta de pista que sufrió una lesión que puso fin a su carrera, estuvo cerca de quitarse la vida, solo para que Satya salvarla de un destino seguro. (Muy temprano, Savi bromea diciendo que no es necesario que le digan a la audiencia cómo llegó aquí, embarazada, pero luego la película nos cuenta esa historia de todos modos. La autoconciencia no es un punto fuerte). vida, Savi está esencialmente en el limbo. Es apropiado entonces ella se encuentra en un bucle (de tiempo).

Para aquellos que no saben nada sobre Run Lola Run, ese es el concepto de ciencia ficción en dos palabras. Cada vez que Savi no logra salvar a Satya, se reinicia.

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Taapsee Pannu como Savi, Tahir Raj Bhasin como Satya en Looop Lapeta
Crédito de la foto: Manpreet Singh Virk/Netflix

Hay una promesa aquí en esta versión ampliada de Lola. Remodelada como una mujer atrapada en la vida y ahora recibiendo una segunda oportunidad, los eventos de Looop Lapeta sirven como una prueba de otro mundo. Es como si el universo mismo le estuviera hablando a Savi, tratando de sacarse de su estupor y empujándola a arreglar su vida. Run Lola Run nunca se molestó en desarrollar a Lola de esta manera: todo lo que aprendimos sobre ella fue de la película, no de sus propias palabras. Se transmitió en fragmentos durante sus muchas carreras, o durante los interludios que unieron los bucles.

Si bien han ignorado por completo el primero, Bhatia y compañía conservan el segundo: la relación de aspecto cambia de 16: 9 a una más cuadrada cada vez que esto sucede, con la conversación profundizando en una historia extraída de las páginas de Mahabharata. Los nerds de la mitología ya se habrán dado cuenta de que la pareja principal lleva el nombre de la ingeniosa y devota princesa Savitri y su interés amoroso exiliado, el príncipe Satyavan, cuya muerte fue predicha. Pero Savitri encontró una manera de salvar a Satyavan, y Savi de Looop Lapeta se encuentra en un lugar similar. Los interludios cargados de mitología podrían decirnos por qué Savi está haciendo lo que está haciendo, pero no llegan a las reflexiones existenciales de Run Lola Run.

En cuanto a la historia de fondo ampliada, el problema es que Looop Lapeta dedica demasiado tiempo a configurarlo todo. Necesitaba encontrar una manera de contarnos sobre Savi durante sus carreras, como lo hizo Run Lola Run. La película en realidad no “comienza” hasta los 28 minutos. Y lo que sucede debido a esos 28 minutos es que cuando Looop Lapeta comienza a hacer cosas que hizo Run Lola Run, como darnos viñetas recortadas de lo que sucede en el futuro de Random Street. -La vida de los personajes secundarios a cargo de Lola/Savi, se siente raro. Esto no sucedió durante 28 minutos, entonces, ¿por qué ahora? Looop Lapeta también conserva otras ideas sin establecerlas realmente, la principal de ellas es el icónico grito supersónico de Lola que hace una aparición en el jardín izquierdo al final del juego aquí.

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Taapsee Pannu como Savi en Looop Lapeta
Crédito de la foto: Manpreet Singh Virk/Netflix

Aparte de todo eso, hay una serie de pequeñas pero molestas preocupaciones. En un momento crucial, Looop Lapeta hace uso de una conveniente coincidencia para impulsar su narrativa. La película de Netflix también habla con desprecio a la audiencia y ofrece una lección concisa al final. Y hay ubicaciones de productos directos para un fabricante de kits de prueba de embarazo y una marca de teléfonos inteligentes. Curiosamente, aunque se trata de una producción de Sony Pictures, no es un teléfono de Sony. Me imagino que la salida de la compañía del mercado indio de teléfonos inteligentes tuvo algo que ver con eso.

Y esto se siente banal para quejarse, pero ¿Pannu no se ve bien corriendo? Esta es la segunda película consecutiva en la que se supone que Pannu corre mucho. Pero los editores de Rashmi Rocket y Looop Lapeta la esquivaron. Además, Looop Lapeta encuentra todas las excusas para sacar a Savi de sus pies y subir a un automóvil o autobús.

Lo que finalmente condena a Looop Lapeta es su negativa a abrazar sus raíces. De alguna manera, Run Lola Run era una película de videojuegos, enfatizada por su estructura similar a un archivo guardado, las inserciones animadas y el uso intensivo de colores primarios. Looop Lapeta, por otro lado, es un drama de Bollywood.

También es mucho menos urgente. El tiempo era esencial en Run Lola Run: todo, desde la banda sonora de alto tempo hasta el trabajo de cámara que miraba con frecuencia a los relojes, conducía a eso. También puede ver eso en su tiempo de ejecución general y las presiones de tiempo sobre Lola. Mientras que a Savi le dan 50 minutos para conseguir el dinero, a Lola solo le quedan 20 minutos. Sabes que hay relleno involucrado cuando los escritores de Looop Lapeta sintieron que necesitaban aumentar en gran medida la duración del ciclo.

Si esto es lo que significa indianizar algo, entonces tal vez este subgénero esté mejor sin una versión india.

Looop Lapeta se lanzó el viernes 4 de febrero a la 1:30 p. m. IST / 12 a. m. PT en Netflix.

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Reseña de la película Bullet Train: El vehículo de acción de Brad Pitt nunca te sube a bordo

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Bullet Train, como su nombre lo dice, está ambientado en la red ferroviaria japonesa homónima de alta velocidad, conocida formalmente como Shinkansen. Para una película, eso ofrece dos cosas: un impulso (narrativo) inigualable y un espacio confinado que fuerza a sus personajes dentro de una caja. Pero molestamente, en lo que es parcialmente un rasgo tomado de la novela de Kōtarō Isaka de 2010 en la que se basa, Bullet Train sigue pisando los frenos, literal y metafóricamente. Lo primero sucede cuando el Tokaido Shinkansen hace paradas de un minuto en su viaje. En lugar de simplemente usarlos como puertas de entrada para introducir nuevos elementos (lo que hace solo una vez), estas paradas en su mayoría descarrilan la película. En cuanto a este último, Bullet Train, que se estrena el 4 de agosto en India, se detiene regularmente para volcar la exposición o darnos pistas sobre la historia de fondo relevante (también exposición).

Si vas a hacer una película de acción total y la mayor parte tendrá lugar dentro de un tren bala, debes ser creativo y asegurarte de que la acción se cumpla. Pero así como fracasó en Deadpool 2 (genérico y olvidable) y el spin-off de Fast & Furious, Hobbs & Shaw (incoherente y completamente caricaturesco), el director de Bullet Train, David Leitch, tampoco logra encender la chispa aquí. No hay una sola secuencia coreografiada en Bullet Train que te deje boquiabierto. Es una mezcla de ideas que con frecuencia es interrumpida por un compañero de viaje o un personaje secundario. Hay destellos de partes interesantes aquí y allá, pero se apagan rápidamente en un intento de ser extravagantes o ingeniosos. Es como si Leitch aprendiera todas las lecciones equivocadas de su tiempo en Deadpool 2. A pesar de todas las victorias de la película, la acción no fue una de ellas.

Y aunque Leitch tuvo a Ryan Reynolds para cubrirlo en Deadpool 2 (algunos dirían que asumió el cargo de director en la sombra) y ayudó a alimentar el humor de la película, aquí no tiene ese lujo. Eso no quiere decir que no haya humor aquí en Bullet Train. Pero la mayor parte aterriza como un segundo borrador que claramente necesitaba más pulido. Quiero decir, en una ocasión, Brad Pitt hace el chiste súper vergonzoso “si me señalas con un dedo, te devuelves tres a ti mismo”. Ya sabes, el guión, de Zak Olkewicz (Fear Street: Part Two), necesita trabajo si esa línea llega a tu película. Los dos fragmentos de humor más dedicados son cortesía de Pitt, que escupe una charla terapéutica de autoayuda, y las analogías de Thomas y sus amigos de Brian Tyree Henry. (Ambos tienen sus orígenes en la novela). Puede sonar extraño escribirlo, pero créeme, las partes de Thomas crecen en ti.

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Guiado por su controlador (Sandra Bullock) a través de un auricular y armado con una nueva perspectiva de la vida por cortesía de su terapeuta, el experimentado asesino a sueldo estadounidense Ladybug (Brad Pitt) aborda el Shinkansen en Tokio para su primera misión después de una pausa. Su misión es sencilla: robar un maletín y bajarse en la siguiente parada. Pero Ladybug, que cree que siempre ha tenido mala suerte, sabe que nunca es tan simple. (El elemento de la mala y la buena suerte está entretejido a lo largo de la película. Bullet Train usa la “suerte” como una tarjeta inteligente para salir de la cárcel para los ritmos de la trama más que para cualquier otra cosa). el gángster The Wolf (Benito Antonio Martínez Ocasio, también conocido como Bad Bunny) que está en una misión vengativa propia. Pero no prestes atención. El lobo es uno de los pocos personajes que existen como una broma elaborada.

Excepto gracias a The Wolf, Ladybug termina en un atolladero, después de que los “dueños” anteriores del maletín, el dúo de asesinos británicos Lemon (Brian Tyree Henry) y Tangerine (Aaron Taylor-Johnson), se dan cuenta de que se ha ido. El maletín es una de las dos cosas que se supone que deben escoltar, junto con el hijo previamente secuestrado del líder del crimen ruso-japonés The White Death (Michael Shannon). Y en algún lugar entre estas historias, hay espacio en Bullet Train para The Prince (Joey King), una joven manipuladora que se hace pasar por una colegiala británica, que busca vengarse de The White Death por razones no del todo claras. Ella obliga a Yuichi Kimura (Andrew Koji), un ex agente suyo, a cooperar amenazando a su hijo pequeño hospitalizado. (Un giro más adelante revela cuán estúpidamente se comporta Kimura).

Si bien la novela sigue a personajes japoneses en Japón, la película evidentemente no, como puede ver. Pero si estás adaptando una novela para un importante estudio de Hollywood, tus manos están más o menos atadas. Las reglas no escritas de la industria requieren un elenco mayoritario de Hollywood y una película mayoritariamente de habla inglesa. Pero entonces, ¿por qué conservar la ambientación japonesa?

Uno, no agrega nada a la película. Los villanos yakuza de la novela han sido reemplazados por un chico ruso. (Me imagino que Bullet Train entendió la óptica de tener a un gran malvado japonés siendo vencido por un grupo de tipos occidentales en una película ambientada en Japón). ¡¿entonces el villano sigue siendo ruso?! Porque claro que lo es, en una película hecha para estadounidenses.

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Joey King en Tren bala
Crédito de la foto: Scott Garfield/Sony Pictures

Y dos, los trenes de alta velocidad existen en los países occidentales. Para eludir las quejas de blanqueo que Leitch y compañía sabían que iban a recibir en el momento en que decidieron embarcarse en este camino, Bullet Train intenta inteligentemente incluir a personas de varios países (estadounidense en Pitt y afroamericano en Zazie Beetz, británico en Johnson y británicos negros en Henry, mexicanos en Bad Bunny, japoneses en Koji, Hiroyuki Sanada y Karen Fukuhara, y “rusos” en Shannon y Logan Lerman).

Pero la diversidad no importa. Bullet Train sigue principalmente a los cuatro miembros del reparto estadounidenses e ingleses: Pitt, King, Johnson y Henry. Pitt aporta una actitud relajada a su asesino que constantemente lo pone en conflicto con la ira y la furia reprimidas de quienes lo rodean. Lemon y Tangerine de Henry y Johnson forman un dúo divertido: mientras discuten constantemente, también hay un vínculo profundo. King existe para imitar a un adolescente asustado y lo hace bien. Aparte de eso, no me vendieron. No ayuda que su personaje se sienta tangencial en su mayor parte. Y cuando finalmente se revela su conexión con la historia, aterriza con el sonido de una piedra cayendo al océano, porque Bullet Train no se ha molestado en comprometerse con las ideas que quiere explorar.

Mientras tanto, los dos miembros principales del reparto japonés, Koji y Sanada, están asignados a papeles dramáticos completos. Es como si Bullet Train creyera que los actores son incapaces de tener humor, pero para mí, eso realmente dice más sobre el escritor. Son incapaces de pensar en los actores japoneses como personas que pueden ser divertidas. Es posible que otros miembros secundarios del reparto ni siquiera existan. Karen Fukuhara (The Boys) está encajada en un pequeño rincón, Zazie Beetz (bufón, Deadpool 2) tiene un papel inútil, Sandra Bullock tiene un papel desagradecido, y se trae a Bad Bunny, para un cameo extendido y se le da una historia de fondo completa y detallada, solo para que la audiencia pueda reírse a su costa. Sus personajes no tienen agencia, ya que existen para enriquecer la cuota de diversidad o servir a otros personajes principales.

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Brian Tyree Henry, Aaron Taylor-Johnson en Tren bala
Crédito de la foto: Scott Garfield/Sony Pictures

Bullet Train trata de hacer una comida de sus escenas retrospectivas, ya sea profundamente tristes (oh, mira, hay un niño en el ventilador), divertidas (Lemon y Tangerine discuten si mataron a 16 o 17 personas en un trabajo), melodramáticas (un chico asciende en las filas de la mafia, se enamora, pero luego pierde todo lo que amaba) o pura coincidencia (Ladybug se cruzó con otros dos asesinos durante una boda que él atendió). Pero la verdad sea dicha, se inclinan más por la exposición que por la diversión.

Estos apartes son, a veces, responsables de introducir las armas de Chéjov (suena extraño escuchar eso en plural, pero ese es el tipo de película que es Bullet Train) en la trama de gran alcance. Hay tres de ellos plantados a lo largo de la película, y sabes que tienen que explotar en algún momento. Pero los resultados son predecibles, casi engañosos o decepcionantes.

Y realmente, algunos de esos adjetivos también se aplican a la película en general. Con un elenco encalado e infrautilizado, una ambientación que realmente nunca se justifica y un humor que necesitaba más tiempo en el horno, Bullet Train falla en la mayoría de sus acompañamientos. Y en cuanto a su ingrediente principal, Leitch ha demostrado que no sabe lo que hace una buena acción por tercera vez consecutiva. (Pero Hollywood sigue confiando en él una y otra vez. Está haciendo otra película de acción llamada The Fall Guys con Ryan Gosling a continuación). Para ser justos, Bullet Train ciertamente no es tan mala como esa otra película de acción de verano de gran presupuesto de hace dos semanas. Pero tampoco es una buena película por sí sola.

Bullet Train se estrena el jueves 4 de agosto en 2D, IMAX y 4DX. En India, Bullet Train está disponible en inglés, hindi, tamil y telugu. Hay una escena durante los créditos, eso es todo.

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Jumanji: The Next Level Review: no es exactamente el siguiente nivel

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Jumanji: el siguiente nivel. Fecha de estreno: 13 de diciembre de 2019. Director: Jake Kasdan. Reparto: Dwayne Johnson, Jack Black, Kevin Hart, Karen Gillan, Nick Jonas, Alex Wolff, Morgan Turner, Ser’Darius Blain, Madison Iseman. Calificación: U/A (India). Sinopsis: “En Jumanji: Siguiente nivel, la pandilla está de regreso pero el juego ha cambiado. Cuando regresan a Jumanji para rescatar a uno de los suyos, descubren que nada es como esperaban. Los jugadores tendrán que enfrentarse a lugares desconocidos e inexplorados, desde los áridos desiertos hasta las montañas nevadas, para escapar del juego más peligroso del mundo”.

Debido a los peligros inherentes de Jumanji, originalmente como un juego de mesa, y en su nuevo avatar, como un videojuego, sus participantes siempre prometen, al final de sus respectivas aventuras, que volverán a acercarse a él. En la película original de 1995, el dúo central arroja a Jumanji a un río. En la secuela espiritual de 2017, el cuarteto central destruye a Jumanji con una bola de bolos. A nivel de trama, es lógico que los personajes se comporten de esa manera. Pero el éxito de taquilla de la franquicia, especialmente la más nueva, casi exige un regreso a su mundo para Sony Pictures. Atrapado entre los intereses narrativos y comerciales, el ganador es obvio entre los dos. Bienvenido a Jumanji: El siguiente nivel.

La secuela, del director que regresa Jake Kasdan, trabajando con un guión de Jeff Pinkner, Scott Rosenberg (Veneno), y Kasdan, hace lo mínimo para justificar el reingreso a Jumanji. Es consciente de sí mismo hasta cierto punto, con uno de los protagonistas adultos jóvenes diciéndole a otro: “No puedo creer que hayas vuelto aquí a propósito”, pero también es muy indulgente. Y como resultado, Jumanji: The Next Level termina siendo más un refrito que una reinvención. Y añadiendo a su Indiana Jones riff: Kasdan es el hijo del escritor de Raiders of the Lost Ark, Lawrence Kasdan, después de todo, la nueva película de Jumanji también es una mezcla de elementos de Game of Thrones, Mission: Impossible, Lawrence of Arabia y varios videojuegos.

Spoilers por delante para lanzar sorpresas y avatares de videojuegos, a menos que hayas visto el tráiler, en cuyo caso, adelante.

Jumanji: The Next Level abre con los cuatro niños planeando una reunión de Navidad, habiéndose mudado a la universidad en el tiempo posterior a la película anterior. Después de no haber tomado bien Nueva York y su relación con su igual intelectual Martha (Morgan Turner) en un descanso, el nerd Spencer (Alex Wolff) se encuentra deseando el subidón de Jumanji. Se revela que Spencer recuperó la consola de juegos rota, que luego intenta arreglar. Y después de que él no aparece para ver a sus amigos, el musculoso Fridge (Ser’Darius Blain), la popular Bethany (Madison Iseman) y Martha van a su casa, donde encuentran al abuelo de Spencer, Eddie (Danny DeVito) y su ex socio comercial Milo (Danny Glover), pero no Spencer.

Se dan cuenta de que Spencer ha regresado a Jumanji y deciden saltar también para ayudarlo. Pero debido a la naturaleza medio rota de Jumanji, no pueden elegir a sus personajes. Y además, Eddie y Milo también son atraídos. Esas decisiones de escritura les permiten a los escritores empujar a sus protagonistas a los avatares que quieren que habiten. El frágil Eddie termina como el fuerte y fornido Dr. Bravestone (Dwayne Johnson), el lento Milo es ahora el zoólogo “Mouse” Finbar (Kevin Hart), y Fridge se convierte en el cartógrafo con sobrepeso Profesor Shelly (Jack Negro). Solo Martha conserva su papel como la asesina de hombres de élite, Ruby Roundhouse (Karen Gillan).

Felicitaciones a Jumanji: The Next Level por otorgar nuevos roles a la mayoría de los miembros principales del elenco, Johnson, Hart y Black, que ahora tienen que canalizar a un adulto joven diferente o uno de los dos nuevos viejos. Gillan puede tener el mismo trabajo, pero aprovecha la ansiedad y la falta de idea social de Martha de una manera tan encantadora que casi se roba el centro de atención por completo. Junto a ellos está Awkwafina como un nuevo avatar, que es un soplo de aire fresco, aunque en última instancia no tiene suficiente para hacer. La secuela va un paso más allá y les permite intercambiar avatares dentro de Jumanji también, lo que genera más risas, aunque con bromas fáciles, que a veces aterrizan al otro lado de la delgada línea que se relaciona con la raza y el género. Los cambios inesperados también se pierden de impulsar los temas queer de su predecesor.

Awkwafina, Dwayne Johnson y Karen Gillan en Jumanji: Siguiente nivel
Crédito de la foto: Frank Masi/Sony Pictures

Además, la nueva película de Jumanji se siente mejor cuando todos vuelven a sus avatares originales porque parecen entenderlos. Esto se siente como una oración extraña para escribir, pero Black canalizando a una adolescente es de alguna manera perfecta. Dicho esto, una escena en el desierto que involucra a Black como Fridge, donde lamenta cómo el profesor Shelly es inútil para un videojuego de aventuras, ya que sus nuevas debilidades son el calor, el sol y la arena, produce algunas de las mayores risas en Jumanji: The Siguiente nivel. Pero ese no es el caso para todos. Johnson no es simplemente una estrella cómica natural y no tiene el alcance de DeVito, que puede hacer más en su tiempo limitado que Johnson en el resto de la película, interpretándolo.

El problema adicional es que el acto olvidadizo y con problemas de audición de Johnson, como el abuelo de Spencer, solo puede extenderse por un tiempo limitado. Es mejor que maneje los latidos emocionales de la trama secundaria, que involucran una dinámica incómoda con Milo y sus quejas compartidas sobre los peligros de envejecer. Al mismo tiempo, la relación de Eddie y Milo también deja al descubierto la delgadez de los otros personajes y sus relaciones. Todo Spencer, Martha, Fridge y Bethany se basan esencialmente en un solo rasgo, y los intentos de Jumanji: The Next Level de aumentar el vínculo entre Bethany y Alex Vreeke (Colin Hanks), el hombre adulto cuyo avatar fue interpretado por Nick Jonas. – prácticamente se convierte en nada.

El villano de la película, interpretado por Rory McCann, Sandor “The Hound” Clegane de Game of Thrones, sufre de manera similar, aunque eso no es nada nuevo, dado el trato que recibió Bobby Cannavale en la película anterior. Y los escenarios de acción de la secuela, que generalmente involucran una manada de animales, desde avestruces hasta mandriles, no son nada del otro mundo, lo cual es una pena considerando que forman la mayor parte del tiempo de ejecución. Por lo que vale, Jumanji: The Next Level trae algunas adiciones a la mezcla que funcionaron bien por una suma de casi mil millones de dólares la última vez. Y ayuda que nunca se tome a sí mismo demasiado en serio, mientras que en partes es lo suficientemente divertido como para llevarte a través de un reloj casual en la tele.

Jack Black y Karen Gillan en Jumanji: Siguiente nivel
Crédito de la foto: Frank Masi/Sony Pictures

Esencialmente, Jumanji: The Next Level está lejos de ser necesario, pero su epílogo (escena de la mitad de los créditos), que en realidad debería haber estado al final del capítulo anterior, sugiere que todavía queda algo de vida en esta franquicia, sacando un Jurassic World : Fallen Kingdom y regresando a la forma original de Jumanji.

Disponible en inglés, hindi, tamil y telugu, Jumanji: The Next Level saldrá a la venta el 13 de diciembre en India. Avances pagados el 12 de diciembre.

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